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Estudio San Isidro

Taller Práctico de Fotografía


O   C   T   U   B   R     2   0   1   7


Envianos un mensaje a [email protected] para recibir mayor información del curso por mail, o para efectuar tu reserva.

(No es necesario abonar ningún concepto para efectuar una reserva. Las mismas se reconfirman una semana antes de la fecha de inicio.)


PROXIMA FECHA:


LUNES 18 DE SEPTIEMBRE DE 2017, DE 20 A 22HS.


Hacé tu reserva con anticipación.


Programa Detallado del Curso

El Enfoque – “Ver en Profundidad”


El enfoque es uno de los tres elementos principales de la Fotografía, junto con la velocidad de obturación y la composición de la imagen.


Estando el medio fotográfico acotado a sólo dos dimensiones de representación gráfica, el enfoque juega un rol primordial para generar la sensación de profundidad, o falta de ella, en nuestras fotos.


Si el trabajo del enfoque está bien resuelto en la práctica, quienes observen las imágenes percibirán la sensación de profundidad, o efecto tridimensional, de manera muy parecida a aquella en la que quiso expresarla el fotógrafo.

En esta parte del Taller explicamos cómo afectar la calidad visual y el significado fotográfico con el enfoque y los lentes. 


Temas a desarrollar:

Concepto de Enfoque. Concepto de Apertura , diafragma y “f Stop”.

Profundidad de Campo – concepto y aplicación práctica. Distancia hiperfocal – concepto y utilidad.


Area de foco. Uso de las opciones de enfoque de la cámara (multi zone – spot focus – foco definido por el usuario, etc). Utilidad  en distintas situaciones de toma. Concepto de Telemetría.


Modos de enfoque – manual – automático – normal – continuo – semi continuo. Uso práctico. Efectos de enfoque selectivo. Primer plano – Plano Medio y Fondo.

Distancias focales y Lentes – Zoom – Angular – Lente Normal – Teleobjetivo. Utilidad de su uso en distintas situaciones de toma y enfoque. Efecto práctico sobre la imagen.


Distancias focales en fotografía digital y analógica. El sistema APS-C, los sensores Full Frame y el sistema 4/3. Factores de multiplicación y efectos prácticos sobre la profundidad de campo. Rendimiento de angulares y teleobjetivos en cada sistema.



La Velocidad de Obturación –   “ Ver el Movimiento”


La velocidad de obturación, o velocidad de disparo, es el segundo elemento de la Fotografía. Sin dudas no es lo mismo tomar una foto a 1/500 de segundo que utilizando 20 segundos de exposición.


Siguiendo los conceptos prácticos del célebre Henri Cartier-Bresson (1908-2004) la velocidad que decidamos utilizar influirá sustancialmente en poder capturar lo que él denominaba “el instante decisivo”. El instante mismo en el que se toma la fotografía, o se pierde.


El instante puede tratarse de una milésima de segundo, o bien de minutos de exposición, pero siempre será la velocidad de obturación la variable que el fotógrafo deberá decidir correctamente para captar el movimiento, o congelarlo en el tiempo.


En esta sección veremos como afectar la calidad visual y el significado fotográfico con la velocidad de disparo y los lentes empleados.


Temas a desarrollar:

Concepto de velocidad de obturación (shutter speed). Las distintas velocidades. Control y aplicación práctica. Tiempo y movimiento en fotografía. Velocidades de obturación ultra rápidas, rápidas, normales, lentas y prolongadas. Ejemplos de aplicación práctica.


Determinación de velocidades mínimas con cámara en mano, según el lente empleado. Sistemas de estabilización de imagen, cables disparadores, self timer y accesorios. Utilidad y uso en distintas tomas.


Diferentes tipos de control de movimiento con la cámara – imagen congelada – paneo – movido – movido + “shaked” – combinaciones de técnicas.



Sensibilidad ISO de Sensor o Película – “Ver con Definición”


Esta variable está íntimamente ligada a las dos anteriores, como un complemento de las mismas.

Las cámaras actuales, ya se trate de versiones analógicas o digitales, ofrecen una amplia variedad de selección para definir la sensibilidad del sensor, o bien de adecuarse al tipo de film elegido.


La sensibilidad también puede ser utilizada como una herramienta creativa de expresión fotográfica.  En muchos casos el empleo de un valor de sensibilidad técnicamente incorrecto puede ayudar a captar más adecuadamente el carácter del sujeto o la escena que estemos retratando.


En esta parte del Taller explicamos cómo controlar esta importante variable, tanto desde lo técnico como desde el ángulo creativo.


Temas a desarrollar:

Concepto de sensibilidad. Sensibilidades lentas, normales, rápidas y ultra rápidas. Aplicación Práctica en distintas tomas y condiciones.

Calidad de definición de la imagen fotográfica. Concepto de Ruido y Grano. Control sobre ambos.


Resolución en formato digital – concepto de Megapixel. Formatos de archivo RAW, JPG y TIFF – diferencias y conveniencia de uso en la ampliación y exhibición de la imagen. 


Resoluciones de ampliación – límites e interpolación digital. Usos de espacios de color sRGB y Adobe RGB, sentido práctico. Tomas en 8 y 16 bits – conveniencia de uso. Herramientas de control de ruido que pueden usarse en la post producción y tamaños de ampliación.



La Exposición de la toma    fotográfica – “Ver en Grises”



La exposición de la imagen fotográfica, o lo que es lo mismo, la cantidad de luz que permitimos que ingrese al interior de la cámara a través del lente, resume el control sobre las tres variables anteriores desarrolladas en el programa. 


El enfoque, la velocidad de  disparo y la sensibilidad escogida conforman juntas lo que se denomina el Triángulo de Exposición.


Determinar la exposición correcta para cada toma, o tener claro hasta que punto se puede confiar la misma al automatismo de la cámara, resulta una decisión crucial para cualquier fotógrafo.


En este punto explicamos cómo observar los componentes de una imagen, que grado de luz absorben o reflejan y qué queremos resaltar en la toma, para poder decidir la mejor opción de exposición  en la cámara.



Temas a desarrollar:

Concepto de exposición. El triángulo de exposición – apertura, velocidad de obturación y sensibilidad ISO – determinación de la mejor combinación en cada caso y uso práctico. Cómo el fotógrafo analiza la toma.


Exposición media, sobre y subexposición – concepto y uso práctico. El control de EV+- (exposure value) - utilidad.  Utilización del histograma en cámaras digitales (detección de áreas quemadas (burnt-out) y de sombras subexpuestas (clipped shadows). Concepto de bracketing (diafragmado) y autobracketing. Aplicación práctica y utilidad con diferentes tipos de imágenes (JPG y RAW).


Concepto de Latitud de Exposición en cámaras analógicas y digitales.


Concepto de Fotometría. La escala de grises, el uso de “grey cards” y “white cards”. La fotometría que utiliza la cámara vs la medición manual – ventajas y desventajas prácticas de ambas.


Uso de las distintas opciones del “metering system” o sistema de fotometría de la cámara - uso práctico de las alternativas de multisegmento – center weighted y spot. Demostración práctica utilizando fotómetro digital externo.


Técnica de control de la fotometría - uso del Sistema Zonal y aplicación práctica básica. Concepto de Rango Dinámico en la toma de la imagen fotográfica. Análisis de la imagen aplicando estos conceptos.


Los modos de toma de la cámara y su aplicación práctica.



Las cámaras modernas ofrecen modos predeterminados de exposición que resultan útiles cuando se debe fotografiar ágilmente y el tiempo no alcanza para evaluar y fijar manualmente el valor de cada variable.


En este punto del Taller recorremos esos modos y explicamos su uso y utilidad práctica.


Temas a desarrollar:


Los Modos:

Auto – Fotografiando en modo automático (Point amd Shoot).

Program – Fotografiando en modo P, con control de variables.

Aperture Priority – Priorizando la apertura. Uso del control de EV+- (exposure value) en este modo.

Shutter Priority - Priorizando la velocidad de obturación. Uso del control de EV+- (exposure value) en este modo.

Manual – Controlando la totalidad de las opciones que ofrece la cámara.


Revisión del resto de las modalidades secundarias de automatización que ofrecen las cámaras para la toma de fotografías en diferentes escenas y condiciones de luz.


La Luz y La Iluminación - La Clave de las buenas fotos!


Si fotografiar significa “pintar o escribir con luz” éste componente externo y condicionante de la Fotografía se transforma sin dudas en el más importante escultor de las imágenes que logremos captar.


La luz determina el carácter, la apariencia, la profundidad, el volumen, la suavidad o dureza, la textura y prácticamente el resto de las cualidades que afectan y definen al sujeto escogido en la toma. Hasta el olor en sí mismo puede quedar insinuado con el correcto uso de la luz.


La obra y el trabajo del fotógrafo reside en su capacidad para “ver” la luz y percibir que puede hacer con ella. Ver la luz es un ejercicio permanente, tanto si se lleva una cámara encima como si no.


En este punto se explica todo lo relacionado con los distintos tipos y calidades de luz, como así también las cuestiones de modelado del sujeto y la combinación de múltiples fuentes de iluminación en la toma fotográfica. 


Temas a desarrollar:

El manejo de la luz y la iluminación en Fotografía.

Concepto de Temperatura de Color – variación de la calidad de la luz natural y artificial-

Concepto de Balance de Blancos (White Balance) en cámaras digitales – uso práctico.

La luz Natural.  Diferentes opciones para su aplicación fotográfica. Pleno Sol – sombras – luz al amanecer y atardecer – crepúsculo – nublado, nieve, etc. Mejores usos de cada una.

Luz Artificial.  Tipos más comunes y usos.

Luz Continua: Luz incandescente, de tungsteno, fluorescente, lámparas tipo “Par”, reflectores, kinos (luz cinematográfica), etc.

Luz de Destello: Flash –uso práctico-  Autoflash, Fill Flash, Forced Flash, Ráfagas.  Flash estrobóscópico. Ring Flash. Beauty Ring.

Combinación de distintas fuentes de luz e iluminación. Aspectos a tener en cuenta para la toma. Concepto de luz principal y luz de relleno. Tomas en exteriores mezclando luz natural y artificial – Twilight.

Dirección, intensidad y calidad de la luz.  Luz dura, luz suave – usos. 

Angulo de incidencia y efectos que produce.  Luz frontal, lateral, cenital, inferior.

Luz directa, reflejada, rebotada. Difundida, tamizada (snoot o rejilla), otros. 



El Filtrado de la Luz




Filtros de corrección cromática. Filtros más comunes y su uso práctico: UV – Skylight – Polarizador lineal y circular – Neutral Density (ND2/ND4/ND8/ND400) – Aplicación Práctica.

Filtros de Color – Degradado – Infrarrojo – Difusores. Aplicación de filtros a la la luz del flash.

Tipos de filtros: Circulares de cristal, arílicos, gelatinas cinematográficas. Filtros digitales in-camera. Filtros digitales de Post Producción.


La Composición Fotográfica -   El elemento principal de la Fotografía. “Ver en Dos Dimensiones”





La Composición es sin dudas el elemento central de la Fotografía.


Al aplicarle bordes al momento de la realidad, o al conjunto de hechos que se está fotografiando, como fotógrafos producimos que esos hechos cambien y se transformen en otra cosa: la imagen fotográfica de la realidad.


La definición del sujeto de nuestro trabajo, como así también la distribución de los contenidos y las formas dentro del cuadro es lo que logrará aportar a las fotografías realizadas su principal cualidad: el significado.


Es precisamente el significado lo que dota de coherencia a la obra de un fotógrafo, ya sea que se trate de una toma individual o de un trabajo bajo el formato de series de imágenes sobre el mismo sujeto.


El sujeto puede tratarse indistintamente de tres sillas en un comedor, del drama de una guerra, de paisajes abstractos o de retratos familiares.


En este tema del programa recorremos todo lo relacionado con la composición, como así también con los formatos y mejores opciones de presentación del trabajo y la obra fotográfica. 


Temas a desarrollar:

Reglas de composición y encuadre.


El Sujeto – primer componente de la imagen fotográfica – concepto. El trabajo en series vs el trabajo individual. Ejemplos.


El Contenido – segundo componente de la imagen fotográfica.


La Forma – tercer componente de la imagen fotográfica. Definición, componentes de la forma. El uso de puntos, líneas, siluetas (shape), texturas, color, la calidad de la luz y el encuadre en la imagen.


El significado fotográfico. La suma de los elementos (sujeto+contenido+forma).

La regla de los tercios – uso práctico. Otras reglas de composición. Aplicación práctica. Ejemplos.

Encuadre. Calidad visual y significado fotográfico por medio del encuadre.


“Vantage Point” –punto de toma- yuxtaposición y planos de toma. Concepto de plano, planos más usados, planos cerrados, abierto, americano, etc.  Cropping and Framing (recorte y enmarcado) posterior a la toma.


Los Bordes de la imagen – el exterior y el interior de la imagen –uso en composición. Imagen y contexto –la función y el efecto del borde. El uso de bordes múltiples. Combinación de imágenes. Ejemplos.


Relación de Aspecto de la imagen. Formato Digital 3:2, 4:3, Full Frame, 16:9, Panorama, Vertorama.  Formato Analógico 35mm, formatos medios 6x6, 6x7 y 6x9, formato grande 4x5 y 8x10. Ejemplos de cada uno. Ventajas, desventajas e incidencia en la composición fotográfica.

Sujetos y Estilos en Fotografía



En este punto casi final recorremos los sujetos o estilos más habituales de la Fotografía, concentrándonos en exhibir los aspectos técnicos y compositivos que producen los mejores resultados fotográficos, en cada uno.


Brindamos recomendaciones útiles para aplicar a los distintos sujetos o estilos que propone la Fotografía. El contenido de esta parte del Taller puede profundizar aquellos sujetos o aspectos que más interesen al grupo.


Los lineamientos en todos los casos son de uso general y no pretenden influir sobre el criterio fotográfico o artístico de abordar cada tema.

muertas, etc.



Enfoque Práctico del Curso


El programa aquí desarrollado se explica durante el curso bajo un enfoque de aplicación práctica.


Este no es un curso teórico sino que buscamos que los distintos temas que vamos viendo se puedan traducir a imágenes concretas.  Tanto el programa como la metodología utilizada se apoya en más de 30 años de experiencia, tanto enseñando como trabajando en fotografía profesional.  Eso nos permite trasladar los conocimientos de forma ordenada, pero especialmente de modo tal que puedan ponerse en ejecución de forma inmediata.


Las salidas fotográficas son un recurso muy valioso para que esto suceda.  En caso de no poder asistir, tanto las clases como las salidas pueden recuperarse en cualquiera de los cursos siguientes, sin que nunca venza el plazo para poder hacerlo.


Agenda y Aranceles del Curso

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Recomendamos efectuar la reserva de vacante con anticipación dado que los cursos se completan rápidamente.

Puede enviarnos un mail a [email protected]. No es necesario abonar nada antes de la primera clase ni para efectuar la reserva.


Próxima Fecha:

MIERCOLES 11 DE OCTUBRE DE 2017, DE 20 A 22HS.


Cantidad de clases: 11 (8 en estudio + 3 salidas prácticas en exteriores).


Salidas Fotográficas en Exteriores: 2


Frecuencia: 1 vez por semana.


Costo Total del Taller:  


ATENCION:  El curso de OCTUBRE de 2017  tiene una promoción del 20% de descuento, beneficio ofrecido por San Isidro Reflex, cámaras flashes y objetivos (www.sireflex.com.ar), quedando el precio final del mismo en $3.000.-, que puede abonarse en dos cuotas mensuales de $ 1.500.- c/u,  sin interés.


Lugar de clases: 

SAN ISIDRO

Av. Centenario 779 - (1642) San Isidro - Buenos Aires  - Argentina.

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